演出攝影技巧
一、曝光準確，充分利用現場光線，展現真實效果，保持氛圍感
由於演出場所內大部分是觀眾，應儘量避免因為拍攝而影響觀眾的權益。拍攝中還要注意，通常舞臺是禁止使用閃光燈的，因為閃燈的瞬間高光會影響到演員的發揮。實際上由於拍攝距離較遠，閃燈也失去了使用意義，反而會破壞舞臺上的現場燈光氣氛，所以一般多利用舞臺和劇場的現場燈光拍攝。大多數情況下，現場光都比較複雜，因此對於曝光來說難度較大。如果現場的燈光明亮、照射均勻，相機的測光系統可以得到相對準確的曝光值。如果主體光強，背景過暗時，要對著被攝主體測光，否則會出現被攝主體曝光過度的現象。若果有條件，使用具有點測光功能的相機拍攝，並採用長焦鏡頭測光，這樣可以減小測光的誤差。拍攝時要以主要人物為曝光標準，隨時注意現場燈光變化，並及時調整光圈、快門數值。
利用現場光的同時，還要注意相機白平衡的調節。舞臺一般多使用白熾燈或者聚光燈照明，因此要選擇相應的白平衡模式。白平衡使用不當，也會減弱現場感，甚至會改變畫面的色彩表現。
二、避免模糊，舞臺攝影要注意“安全快門”。
拍攝舞臺照片，要根據自己的拍攝意圖以及現場光線的強弱來控制快門速度。快門速度對於舞臺上人物動作的抓取具有重要作用。我們既可以用較快的速度將舞臺上的情景定格，也可以用慢速快門表現一種虛幻縹緲的感覺，製造一種虛實相生、動靜結合的視覺效果。快門速度控制在1/60s上下時，呈現在舞臺上的主體該動的能動起來、該靜的也靜得下去，使拍出來的照片既有清晰的主體形象，又使畫面具有流動感。為了達到不同的拍攝效果，我們要選擇不同的快門速度。數位相機與傳統相機相比，在快門速度方面有一定的優勢，由於數位相機的感光度可以調節，需要較高的快門速度時可以提高感光度，反之亦然。
當天民謠演出會，上述的快門的注意事項基本忽略，因為大部分歌手都是很“安靜”陶醉在自己的音樂中，觀眾隨他們的音符陶醉在歌聲裡。因此，快門的使用，主要是要注意安全快門（安全快門知識可以百度，此處不再詳述）。好在，現在的鏡頭基本都有防抖，防抖開基本能保證降低三檔快門，能達到安全快門的拍攝效果保證照片清晰、和品質（在光圈模式下，降低三檔快門意味ISO可以降低三檔，以保證照片低噪點高品質的照片）。 有朋友問我，為什麼不用三腳架，理論上當然可以使用三腳架，但演唱現場攜帶三腳架非常不便，不僅會影響觀眾欣賞演出，同時也不方便機動靈活取景。
另外，在快門速度稍慢的場景中拍攝，提高照片清晰度有效方法之一，使用連拍往往能提高拍攝成功率。
三、構圖多變化，利用光線的明暗，及時捕捉表情，表現歌者的特質和現場的音樂氛圍。
舞臺演出中，燈光師會根據不同節奏的需要而採用不同光源的光線，來營造不同的氣氛。不僅光線的色光成分變化多端，而且時明時暗，十分難捕捉。
此時，攝影師對相機的熟習程度會直接影響我們拍攝，拍攝此類演唱我建議，點測光加曝光鎖定，非常有利於拍攝。在曝光鎖定的時，我們對焦後，就是等待好瞬間了。一出現好的'表情，要迅速的按下快門，及時捕捉形神兼備的好照片。
拍攝人物，就是拍攝人的神情與姿態，拍攝樂手也不例外。表演者們或嘶吼、或專注、或夢囈、或陶醉，除了樂音動人心絃以外，這些神情只有在現場演出最能夠完整地體會。除了臉部神情以外，表演樂團在舞臺上的刷弦、擊鼓、搖擺、律動，種種肢體語言更是直接牽引著現場樂迷們的情緒。樂手們與樂器融為一體，除了滿足觀眾的聽覺享受以外，許多樂手慣有的招牌動作也每每能吸引眾人目光。這也成為粉絲們觀看現場演出的樂趣之一。作為現場攝影師，要善於捕捉演唱者的神態。
攝影構圖如爵士樂，一種即興的音樂形式，個人表達即一切，但音樂表達是基於所掌握的和絃的固定結構以及和絃的相繼進行。構圖也是一種視覺語言組合，包括簡單的點、線、形狀、紋理、色調、圖案和色彩。對於初學者來說，似乎高深莫測。其實構圖就是一種個人的審美，就是將這些構圖語法熟練運用，通過鏡頭語言(如光圈）和視角變化重新組合成有節奏和變化的畫面。相信您多拍，多交流，攝影構圖能力一定會有進一步提高。 構圖既有規則也無規則，藝無定法。但前提是你要先了解一些攝影的構圖語言。
拍攝劇場演出是一件有趣而興奮的事，儘管它從來都不是好拍的型別。要想在演出過程拍得好的話，要習慣低光環境下的拍照技巧。作為現場攝影師在享受音樂的同時，要保持你尖銳的眼神，捕捉多種多樣的拍攝機會。如果你無法拍出清晰的照片，請記住一個首要原則，那就是加大光圈，調到高感光度，隨時注意安全快門，不要吝嗇快門，咔嚓、咔嚓（多拍才有選擇照片的餘地啊）~~~~